LA COULEUR

Titien fut un des chefs de la Renaissance, et aussi un de ses grands corrupteurs. Il causa la décadence de la peinture en sacrifiant le dessin à la couleur. Car, comme le remarque très bien Lamennais dans son Esquisse d'une philosophie 1 : « La peinture a deux moyens pour s'exprimer, le dessin et la couleur ; et ces moyens correspondent aux deux éléments des êtres créés, l'esprit et la matière. En déterminant la forme, le dessin manifeste ce que voit l'esprit, et en donnant à cette forme son apparence et son relief, la couleur la rend saisissable à l'œil. Le premier a un rapport direct à la pensée, le second un rapport direct à la sensation. Là où le coloris devient la préoccupation principale de l'artiste, l'art tend à se matérialiser, tandis qu'il a une tendance à se spiritualiser, lorsque l'artiste se préoccupe surtout du dessin. Le coloris doit être subordonné au dessin pour que la sensation ne domine pas la pensée et ne fasse pas perdre à l'art sa puissance intellectuelle. »

http://www.archive.org/stream/lartchrtienlet02cart#page/288/mode/2up

Page 118 de la partie qui traite de l'Art et du beau de l'ouvrage Esquisse d'une philosophie :

http://www.archive.org/stream/delartetdubea00lame#page/118/mode/2up

LA MESURE DE L'ART

Quel est le meilleur moyen de comparaison et de juste appréciation d'une œuvre ? C'est, l'ont reconnu tous les artistes des siècles passés, la PUISSANCE D'EXPRESSION. Celle-ci se compose de six éléments qui sont :

1° La conception, 2° la composition, 3° l'expression ;

4° le dessin, 5° la couleur, et 6° la technique.

Les trois premiers sont d'ordre spirituel, les trois derniers, d'ordre matériel.

https://messe.forumactif.org/t2402p45-anarchie-dans-l-art#47647

( 5° élément, LA COULEUR. ) :


Des six éléments de la puissance d'expression, la couleur est le cinquième en importance. Comme le côté technique de la couleur en peinture n'intéresse pas particulièrement le public nous n'en parlerons qu'au point de vue esthétique. Il y a deux sortes de peintres : le peintre de portraits ou de tableaux, et le peintre de la couleur. Ce dernier proclame la suprématie de la couleur sur le dessin. Les deux éléments sont d'égale importance. Le peintre de la couleur fait de l'art pour l'art. L'un des zélés défenseurs de cette théorie , John-C. van Dyke, ne dit-il pas que la couleur suggère la lumière, l'ombre, la ligne, la perspective, l'individualité de l'artiste, ses sentiments, ses passions, son enthousiasme ? « En musique, dit-il, l'harmonie est ce qui importe d'avantage et en peinture la couleur-harmonie est aujourd'hui le plus haut sommet auquel le peintre puisse aspirer ». C'est absurde. Il est certain que la couleur suggère l'ombre, la lumière et la perspective. M. van Dycke n'avait pas besoin de nous le dire. Mais jamais elle ne suggérera la ligne. Celle-ci sera correcte en autant que l'on sait dessiner. Les problèmes de la couleur n'ont qu'un intérêt scientifique ou intellectuel, et l'on ne saurait être ému par eux. nous le répétons, une grande œuvre d'art ne vaut essentiellement que par le degré d'émotion qu'elle provoque. La couleur n'est donc qu'un élément secondaire dans la puissance d'expression.

- Il faut que la couleur soit appropriée au sujet traité. Certaines couleurs conviendront à la fresque et à la décoration murale et seraient mal venues dans le tableau de chevalet.

- Au surplus, la couleur doit mettre pleinement en lumière l'idée principale de l'œuvre. Pour représenter la Paix on ne choisie pas des couleurs sombres et le gris terne qu'employa avec avantage, par exemple, Turner dans sa Valley of Discord. C'est ce principe qu'appliqua Raphaël dans sa Vierge de Saint-Six où la couleur s'harmonise si bien au sujet.

- Dans le tableau de chevalet surtout il convient d'observer la correction des valeurs, c'est-à-dire d'employer la couleur propre à chaque objet. C'est le moyen de détacher les objets et de leur donner de l'atmosphère. Velasquez, peintre réaliste, sacrifia la beauté de la couleur à la correction des valeurs. Ses Filles d'honneur, au Musée Padro de Madrid, brillent surtout par ce côté. L'œuvre est hautement intellectuelle, mais elle n'émeut pas ; on admire, mais on n'aime pas. Les grands maîtres italiens n'ont jamais peint de cette manière, car ils recherchaient avant tout la beauté de la couleur, sans pour cela négliger la correction de la couleur, qu'ils considéraient comme élément secondaire. Velasquez s'en fit un but. Et c'est pourquoi on l'oublia pendant tout près de deux siècles. Il mourut en 1660 et ce n,est qu'en 1860 qu'on le remit en honneur. Ce fut l'œuvre des modernes qui voient en Velasquez un certain degré d'affinité. Le peintre espagnol faisait, lui aussi, des natures mortes. Il est indéniable que Valasquez épuisa merveilleusement toute la gamme des gris, mais cette couleur n'en demeure pas moins neutre, et elle n'émeut pas. Il faut, c'est entendu, observer suffisamment la correction de la couleur pour s'en tenir aux exigences du sujet. Mais tous les sujets ne requièrent la même somme d'atmosphère. La Mona Lisa de Léonard de Vinci, l'Assomption du Titien et la Descente de Croix de Rubens ont une atmosphère suffisante ; ces peintures sont de grandes œuvres d'art parce que l'artiste a su exprimer supérieurement une grande pensée.

- On ne doit pas négliger non plus la juxtaposition des couleurs. Elle est toutefois secondaire, car une peinture, pour être d'une beauté transcendante, n'a point besoin de la couleur somptueuse de Rubens dans sa Descente de Croix. La parfaite juxtaposition est plutôt rare. On ne connaît que trois maîtres qui aient excellé en cette matière : Velasquez, dans ses Filles d'honneur ; Holbein, dans son George Gisse ; et Albert Dürer, dans le portrait qu'il nous a laissé de lui-même.

- La richesse et l'harmonie de la couleur ont aussi leur importance. Velasquez donna à son portrait d'Innocent X une richesse de couleur qui manque dans son Couronnement de la Vierge. La qualité de la couleur n'est donc pas tout. La fin de l'Art est encore une fois de nous émouvoir à divers degrés. Or, l'œuvre peut provoquer l'émotion indépendamment de la couleur. - Alors, dira-t-on, quelle est en peinture la fonction de la couleur ? - Tout simplement d'ajouter à la beauté de l'œuvre, d'accentuer sa puissance d'expression. C'est pour cela que l'élément couleur n'est pas à négliger. Il ne faut pas toutefois s'en faire une fin, mais un simple moyen. Ainsi l'ont compris tous les maîtres du passé, parce qu'ils avaient conscience d'obéir à une loi immuable, fondée d'ailleurs sur l'ordre et le bon sens. Les « modernes », évidemment, n'ont cure de l'ordre, aimant mieux suivre leur fantaisie, qui est le plus souvent de la licence. On ne voit pas très bien ces « modernes » lire et comprendre, par exemple, la Cité de Dieu de saint Augustin dans lequel le grand docteur de l'Église explique ce qu'est la fin et le moyen... Les « ultras », renversant l'échelle des valeurs, attribuent à la couleur une fonction qu'elle ne doit pas avoir. Il est évident qu'ils recherchent par-dessus tout la singularité de la couleur au lieu de sa beauté. Tout cela à la seule fin de manifester un individualisme outrancier, qui leur semble le seul gage de la notoriété. Ils se donnent la vertu d'avoir liquidé le « jus-Renaissance » et de perpétuer, par leur « audace nouveauté » (ce sont les mots qu'ils emploient) la tradition. Ils appellent cela faire de la couleur pure et construire un monde de l'essentiel. Ils veulent ainsi légitimer le désordre en se donnant une paternité dans les temps anciens. C'est un truc qui n'est pas particulier aux peintres.

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